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lunes, 16 de enero de 2012

“Tournée” (“On Tour”).

Origen: Francia (2010). Dir: Mathieu Amalric. Guión: Mathieu Amalric, Marcello Novais Teles, Philippe Di Folco. Productora: Les Films du Poisson / Sofica Europacorp. Fotografía: Christophe Beaucarne. Protags: Miranda Colclasure, Suzanne Ramsey, Julie Atlas Muz, Alexander Craven, Mathieu Amalric, Angela de Lorenzo, Damien Odoul, Dirty Martini, Julie Ferrier, Anne Benoît, Pierre Grimblat Duración: 111 minutos.
Última película de Mathieu Amalric, la misma obtuvo siete nominaciones en los premios Cesar incluyendo mejor película y obtuvo los galardones de mejor director y FIPRESCI en el Festival de Cannes. Para muchos críticos la premiación a mejor director fue excesiva, por mi parte, no era una elección fácil para el jurado -bien se lo podría haber llevado Lee Chang-dong por “Poetry” o Abbas Kiarostam por “Roonevesht barabar asl ast”- de modo que retribuir el trabajo de Mathieu fue acertado. No es el primer filme de su autoría, pero sí el primero que logra “hacer ruido”, razón por la cual logra llegar en formato DVD a nuestro país.
Con el riff de Have Love Will Travel (del grupo The Sonics) Joachim (Amalric), un antiguo productor televisivo que está de vuelta en su Francia natal nos sumerge en el mundo del “New Burlesque”, compuesto por un grupo de talentosas y voluptuosas bailarinas a las que les ha prometido llevar el show hasta la capital de su país. De aquí en más se mantendrá una narrativa en fuga, iremos descubriendo la realidad de Joachim, la estrecha relación con sus hijos y el desprecio de sus ex colegas. La distancia no parece indultar. A la vez, deberá conservar el carisma para esa felliniana troupe que ante cualquier escándalo le recuerdan esquivamente que el show les pertenece únicamente a ellas.
Una elipsis de inquietudes parece irse gestando, pero también de remordimientos. En ese paraíso de la contracultura se siente como en su familia, el único lugar donde una sonrisa parece transportarlo. Conoceremos los conflictos de las artistas y sus debilidades prácticamente en un segundo plano, en contraste, irá creciendo ese anhelo en Joachim por recibir algo de afecto, sus hijos le han perdido el respeto tiempo atrás y la afinidad con su show parece pender de un hilo si no puede cumplir con sus promesas.
El uso de encuadres descentrados (sobre todo en interiores) como medio de expresión funcionan con los diferentes matices, allí encontraremos los mejores picos del film, del cual ya no seremos espectadores privilegiados. Seremos parte de esa multitud eufórica que desconoce la oscuridad de sus vidas más allá del escenario, destinadas al igual que nuestro protagonista a afrontarla. Con no demasiados recursos el film impresiona por su puesta en escena, construyendo un marco en el cual, tanto imagen como relato consiguen forjar el inminente contexto, donde predominan contrariedades, disputas y promesas incumplidas. Pero nada de esto parece importar, únicamente que el show debe continuar.   

sábado, 30 de julio de 2011

Un maldito polícia en Nueva Orleans (The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans)

Origen: Estados Unidos (2009) Dirección: Werner Herzog. Guión: William Finkelstein, basado en el del film previo escrito por Victor Argo, Paul Calderon, Abel Ferrara y Zoë Lund. Protagonistas: Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer, Xzibit, Fairuza Balk y Jennifer Coolidge. Fotografía: Peter Zeitlinger. Música: Mark Isham. Duración: 122 minutos.

En la primera escena Werner Herzog nos ambienta en una cárcel inundada post-huracán Katrina. Terence McDonagh (Cage) le salva la vida a un recluso que se encuentra tras las rejas rogando ser liberado antes de ser víctima del agua, al hacerlo lastima severamente su espalda (dicha peripecia cambiará su vida). Acto seguido, lo tenemos a McDonagh en un hospital, donde el médico le receta las drogas correspondientes que deberá tomar el resto de su vida.
Nueva Orleans, tres meses después (tiempo que estipula el film) tenemos a un policía que consume cocaína (según él, para disminuir su dolor de espalda), que padece de insomnio (lo que exacerba su irritabilidad), que se endeuda cada vez más como resultado de las apuestas y que involuntariamente se entromete con personas que pueden hacerlo esfumar empleando una palabra. Tampoco ayuda el hecho de que su “novia” interpretada por Eva Mendes, sea una prostituta que también pertenece al agujero de la drogadicción; Val Kilmer, sea su inescrupuloso compañero y que su padre (Tom Bower) y su madrastra (Jennifer Coolidge) sean alcohólicos.
McDonough es puesto al frente de la investigación -que deberá resolver gobernado de alucinaciones (en su mayoría reptiles) y procediendo instintivamente- por el asesinato de cinco integrantes de una familia senegalesa, como resultado de la lucha por el control del tráfico de drogas en la zona.
La artesanía del director se deja ver en la disección del género policial, los sólidos cimientos del guión de William M. Finkelstein le permitirán aferrarse sin temor a la narrativa clásica y arquetipos del género negro y de allí en más montar un universo siniestro, opresivo y lisérgico que el protagonista recorrerá estimulado full-time.
Un maldito policía en Nueva Orleans, plantea un acercamiento a la naturaleza de la demencia urbana, representada por los hilarantes brotes psicóticos de Nicolas Cage (cuyo histrionismo es hábilmente explotado por el director), el más memorable (y antológico) es cuando al culminar una balacera vocifera “Shoot him again, his soul is still dancing!” (¡Dispárale otra vez, su alma todavía baila!), acto seguido vemos el “alma” del criminal bailando break-dance mientras suena alegremente una harmónica de fondo.
Ya sobre el cierre, la redención llega de la mano del azar, la onírica conclusión se acopla de ironía y de fino cinismo (como toda la envergadura del film) y en un acuario Terence McDonagh se ríe, Werner Herzog detrás de cámara… también.     

miércoles, 27 de julio de 2011

Lazos de sangre (Winter's Bone)


Origen: Estados Unidos (2010). Dirección: Debra Granik. Guión: Debra Granik y Anne Rosellini, basado en la novela de Daniel Woodrell. Protagonistas: Jennifer Lawrence, Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Valerie Richards, Shelley Waggener y John Hawkes Duración: 100 minutos.
 
A los diecisiete años de edad, Ree Dolly (Jennifer Lawrence), debe encargarse sin ayuda de nadie de sus dos hermanos pequeños y de su madre postrada victima de una gran depresión. Como si fuera poco, su padre asegura su fianza con su casa y desaparece sin dejar rastro alguno. Debido al temor de perder su hogar, la joven se precipita en la búsqueda de su padre, tratando de reconstruir la verdad sobre su paradero adentrándose en los bosques de Ozark, en el que las amenazas y mentiras proliferan en torno a sus parientes que no rompen el código del silencio.
 
Lazos de sangre es una película -basada en la novela de Daniel Woodrell- que narra una historia durísima sin caer en golpes bajos, excederse o brindarnos sobreinformación. Debra Granik (Down to the Bone) maneja con jerarquía las distintas capas del film que son construidas exigentemente y de manera inteligente, disfrazando un drama familiar en un thriller. Hasta se da el lujo de incorporar un corto en blanco y negro al unísono de violines mostrando la deforestación inminente en los bosques.
 
Cabe destacar la buena actuación de Jennifer Lawrence (toda una revelación) que se encuentra muy bien en su papel así como también el acertado John Hawkes (Gángster americano), el tío de Ree. Muchos de los actores no son profesionales, de esta manera la fotografía de sus rostros rudos y curtidos son particularmente conmovedores.
 
Pocas veces el cine de Estados Unidos se animó a mostrar de esta manera el lado oscuro de la sociedad de su país como lo hace este film. Mientras las grandes productoras prefieren agudizar el lado glamoroso de las grandes ciudades, Debra Granik nos trae este film realizado con valentía y contundencia.   

POLICÍA, ADJETIVO (Politist, adjectiv)

Origen: Rumania (2009). Dirección y guion: Corneliu Porumboiu. Protagonistas: Dragos Bucur, Vlad Ivanov, Iván Stoica, Irina Saulescu. Duración: 115 min.
 
Rumanía es uno de los países europeos más agobiados por problemas político-económicos de larga data, lo que ha llevado al desencanto a gran parte de su población. Pasó rápidamente de uno de los regímenes comunistas más opresivos y siniestros a un neoliberalismo económico arrasador y poco motivado por la justicia social, donde, por si fuera poco, campea la corrupción. Esta película teje su trama en la realidad del país balcánico. Con admirable ironía están plasmados algunos aspectos de la misma: la burocracia (heredada del sistema anterior y no resuelta), una legislación antigua, el autoritarismo y la decadencia del nivel de vida (carácter, este último, no declamado, sino exhibido a través de las imágenes).
  
El relato es minimalista. Abundan los tiempos muertos en gran parte del film. Algunas escenas –por ejemplo, el espionaje que el policía del título realiza sobre la casa en donde reside el adolescente investigado– se reiteran hasta la exasperación. La película es deliberadamente morosa para trasladar la pesadez de la trama al espectador. Hay que decirlo, para evitar engañar a quien no soporta la morosidad en el cine. Los diálogos son muy interesantes –con un añadido: el paralelismo de ciertas cuestiones gramaticales con la esencia burocrática del sistema–, tornándose brillantes en la larga escena final. Allí el significado de las palabras conducen a la justificación de cómo aplicar la ley… omitiendo que tal cuestión es dinámica y requiere de algo imperfecto pero esencial: la interpretación humana.
 
Notables las interpretaciones de Dragos Bucur (el policía que investiga el eje de la trama) y de Vlad Ivanov (su jefe). El joven responsable de este film (Corneliu Porumboiu, nacido en 1975) merece ser tenido en cuenta. Es autor de una escasa filmografía, en donde hay que destacar, además, a “Bucarest 12:08”, también estrenada en Argentina.
   

Mi familia (The Kids Are All Right)

Dirección: Lisa Cholodenko. Con Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska y Josh Hutcherson. Guión: Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg. Fotografía: Igor Jadue-Lillo. Música: Carter Burwell, Nathan Larson y Craig Wedren. Edición: Jeffrey M. Werner. Diseño de producción: Julie Berghoff. Duración: 106 minutos.
El recurso del arribo de un extraño que emerge para evolucionar el micromundo de los personajes se ha utilizado continuamente en la historia del cine, podemos mencionar a Boudou salvado de las aguas (1932) de Jean Renoir -como el precursor- , Teorema (1968) de Pier Paolo Pasolini o el reciente film El encanto del erizo (2009) de Mona Achache. 

El micromundo que nos convoca, es el de una familia comprendida por una pareja lesbiana (excelentes trabajos de Julianne Moore y Annette Bening) que tienen dos hijos adolescentes frutos de la inseminación artificial (Mia Wasikowska, la Alicia de Tim Burton y Josh Hutcherson). Los mismos poseen curiosidad por conocer a su padre biológico (Mark Ruffalo), que resulta ser el simpático dueño de un restaurante naturista que entrará en la vida de cada integrante provocando incertidumbre e inestabilidad en el núcleo de esta familia hasta el momento sólida e inquebrantable. 
 


Mi Familia, lo nuevo de esta interesante directora indie que es Lisa Cholodenko (High Art), es una película con un timing preciso, diálogos inteligentes, con situaciones fortalecidas por su credibilidad, por su grado de observación y por las notables actuaciones. Resulta entonces un fascinante retrato de los nuevos conceptos de familia, sobre el amor y el respeto más allá de los prejuicios reinantes.

“LAS PLAYAS DE AGNÈS” (Les plages d'Agnès)

Se estrenó en Rosario durante 2010, en uno de los cines del complejo Del Siglo (actualmente sin funcionamiento). Los cinéfilos no podemos dejar de celebrar que esta película haya sido editada en DVD…


Documental autobiográfico, que Agnès Varda filmara a los 80 años. Al comienzo, es tomada en Bélgica –su país natal–, junto al mar, y afirma: “Si abriéramos a las personas, encontraríamos paisajes. Si me abrieran a mí, encontrarían playas”. Es una dulce simplificación, casi una mentira. Encontramos mucho más, por fortuna…

Agnès nos ofrece su vitalidad deslumbrante. Un paseo por su vida. Por las playas y los paisajes y ciudades que la acogieron. Y también por los paisajes humanos –familia, amigos, gente vinculada al cine– y por varios hechos históricos-culturales que marcaron su existencia. Todo ello narrado en forma inteligente, meláncolica –aunque eludiendo la sensiblería– y entrañable. Un collage compuesto por bellas imágenes, reportajes, referencias y fragmentos de sus films. Absolutamente recomendable.

  

Agnès escribiendo su nombre de infancia -Arlette- en la arena, Agnès y los espejos, Agnès y la ciudad de Sète, Agnès y París, Agnès fotografiando, Agnès y la Nouvelle Vague, Agnès y el hombre de su vida: el cineasta Jacques Demy, Agnès dirigiendo cine, Agnès y EEUU, Agnès y su conciencia de la vejez... Todo ello en "Las playas de Agnès". Debe verse.  

martes, 26 de julio de 2011

ACANTILADO ROJO (The Battle of Red Cliff: International Cut).

Origen: China (2009). Dirección: John Woo. Guión: Khan Chan, Cheng Kuo, Heyu Sheng, John Woo (Novela: Guanzhong Luo). Protagonistas: Tony Leung Chiu Wai, Takeshi Kaneshiro, Zhang Fengyi, Chang Chen, Hu Jun, Lin Chi-ling, Zhao Wei. Duración: 148 min.

Red Cliff es un díptico originalmente formado por dos películas en su versión original -la primera parte se estrenó en julio de 2008 y la segunda en enero del 2009- que suman aproximadamente 280 minutos de duración, conformando el mayor suceso comercial de todos los tiempos en su país, con un presupuesto de unos 160 millones de dólares. Para su comercialización en occidente se realizó un montaje alternativo de 148 minutos.


De origen chino pero radicado, formado y consagrado en Hong Kong, John Woo (Bullet in the Head) nos regala este Wuxia pian (nombre con que se conoce al género de capa y espada en Asia) -encabezado por grandes estrellas del cine asiático (Tony Leung, Takeshi Kaneshiro y Fengyi Zhang)- demostrando su talento para la puesta en escena, ya sea recreando imponentes escenas de batallas en mar y tierra, su inventiva proverbial tanto de coreografías cuerpo a cuerpo como en el uso de la tecnología CGI y simultáneamente dejando espacio para el romance y algunas escenas de lirismo.



La narración se despliega en el siglo III en torno al enfrentamiento entre el inmenso, poderoso y tiránico ejército del norte liderado por Cao Cao, el temible Primer Ministro, contra los reinos de Xu, al oeste y al este, y el reino de Wu, al sur, que forman una alianza para no ser sometidos.

En definitiva un retorno a lo grande de John Woo que regresó a Asia tras el fracaso de Códigos de guerra (2002) y de El pago (2003).

lunes, 25 de julio de 2011

Somewhere, en un rincón del corazón (Somewhere)

Origen: Estados Unidos (2010). Dir. y guión: Sofia Coppola. Fotografía: Harris Savides. Música: Phoenix. Edición: Sarah Flack. Diseño de producción: Anne Ross. Protags: Stephen Dorff, Elle Fanning, Michelle Monaghan, Chris Pontius y John Prudhont. Duración: 97 minutos.

En la primera escena la directora da cátedra de su talento, con un largo plano general fijo, nos sintetiza simbólicamente el momento por el que transita Johnny Marco (Stephen Dorff), una estrella de Hollywood que sin ningún destino gira en círculos repetidas veces en su Ferrari. Aquí, al igual que en “Perdidos en Tokio”, se reflexiona sobre los sentimientos de una estrella del espectáculo que, entre drogas, sexo y alcohol intenta escapar de una incompleta, solitaria y vacía realidad aunque sea por unos momentos. Cuando entre tragos de cerveza se reencuentra con su conciencia, el tiempo como un espejo reflejará su infelicidad llevándolo a cuestionar su vida.

La visita de su hija Cleo (excelente actuación de Elle Fanning) en el Chateau Marmont de Los Angeles, por un lado cambiará el ritmo que hasta el momento llevaba el film –tiempos morosos y planos abiertos alargados-, por otro, Johnny intentará en medio de su desenfrenada vida carente de afecto conectar con su hija. En este momento de descubrimiento padre-hija, donde algunos atisbos de humor son bruscamente cercenados, descubriremos la tristeza de Cleo por la reciente partida de su madre y por un padre desprendido de ella que no la comprende.

En este film, la hija del gran Francis Ford favorecerá la ficción con una riqueza visual menor a la de sus anteriores trabajos, no por ello carente de sofisticación. Con un tono casi minimalista, el ingenio de la directora se deja ver en la puesta en escena y la gran utilización de los recursos narrativos. Asimismo, es interesante observar que la progresión dramática nunca llega a componer un clima denso más allá de la angustia que atormenta a los protagonistas.


Sobre el final, el ruido de un helicóptero hará que las disculpas de Johnny no sean escuchadas por su hija subida a un automóvil camino a un campamento. El film no deja margen para la redención, el pasado siempre está presente y el presente de nuestro protagonista es la suma de ese pasado.
Ganadora del León de Oro en Venecia, “Somewhere, en un Rincón del Corazón” es la última película Sofía Coppola, directora de otras grandes películas: Las vírgenes suicidas, María Antonieta, la reina adolescente y Perdidos en Tokio.

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